En esta sección, queremos dar una idea básica de la estructura de un coro y dar información acerca de sus componentes y funciones.

Un Coro se forma a partir de un grupo de cantantes que poseen voces distinas y que se clasifican de la siguiente manera, en función de su tesitura. De este modo podemos distinguir (grosso modo):

• Sopranos: las mujeres con la voz más aguda del coro, tienen un timbre claro y brillante y suelen llevar la melodía. Ejemplos: Montserrat Caballé, Isabel Rey, Celine Dion, Mariah Carey...
• Contraltos: las mujeres con la voz más grave; su timbre es más oscuro y cálido que el de una soprano, por lo que alcanzan las notas más bajas. Ejemplos: Chavela Vargas, Annie Lennox...
• Tenores: los hombres con voz más aguda, tienen una voz redonda y timbrada que alcanza notas altas. Ejemplos: Alfredo Kraus, Luciano Pavarotti, Luis Miguel...
• Barítonos y Bajos: Los hombres con voz más grave (los bajos, la más grave de todas), su timbre es muy oscuro y suelen llevar el ritmo en varias canciones. Ejemplos: Carlos Álvarez, Louis Amstrong

Luego, existen subclasificaciones dentro de estos grandes grupos, tales como soprano lírico-ligera, mezzosoprano, tenor lírico, tenor romántico, barítono cantábile, bajo profundo... además de voces como la del contratenor que usa una técnica llamada "falsetto" para llegar a notas muy agudas con timbre de contralto o soprano (como los BeGees).

Esta colocación permite que cada una de las voces esté situada en un bloque compacto que da seguridad a cada persona, individualmente y proporciona mayor potencia al conjunto en general. Sin embargo, tiene ciertos inconvenientes que se solventan recurriendo a otras alineaciones.

Así, tenemos otra alineación: "distribución por cuartetos". En esta disposición, los integrantes del coro se colocan formando pequeñas unidades llamadas cuartetos.

de esta forma, los cantantes están más aislados pero pueden escuchar mejor al resto de las voces. Esto es algo que favorece una afinación más perfecta en partituras especialmente difíciles.

Aparte de éstas, si la canción lo requiere, se pueden usar tantas distribuciones distintas como se quiera y de forma estática (en el sitio) o dinámica (cantando mientras se camina) creando varios efectos en función de las posiciones que ocupen las voces.

El director de un coro es el elemento más importante. Como se puede suponer, su función no consiste sólo en mover las manos delante de un grupo de gente que canta.

Básicamente, un director de coro tiene la función de seleccionar el repertorio de canciones, enseñar cómo deben cantarse y procurar que se canten como él quiere. Para ello dispone de los ensayos en los que da los múltiples matices que requiere una partitura bien interpretada (tales como pianos, stacattos, crescendos...) y coordina el coro de tal forma que la afinación sea perfecta en todo momento. Durante un concierto, lleva el ritmo y la velocidad de interpretación para que todos los cantantes estén coordinados y se apoya en la expresión facial para contribuír a una mayor expresividad de las piezas. En general, un coro es bueno si tiene un buen director.

Tesitura: Tipo de voz y timbre de una persona

Registro: Extensión de notas que puede dar un cantante. Suele darse la nota más grave y la más aguda

Modificadores en una partitura:

• Modificadores de volumen y expresión

  · Pianissimo: cantar a volumen muy bajo
  · Piano: cantar a volumen bajo
  · MezzoForte: volumen normal
  · Forte: volumen alto
  · Fortissimo: volumen máximo
  · Sotovocce: en voz baja, susurrada
  · Stacatto: dar las notas a golpes, separadas entre sí
  · Legato: unir las notas, dando cada una como progresión de la anterior
  · Crescendo: aumentar prograsivamente el volumen
  · Decrescendo: disminuir progresivamente el volumen
  · Sforzando: Forzar la intención en una nota o sección de la partitura

• Modificadores de tempo (velocidad de interpretación)

  · Adagio, Lento, Lentíssimo... : tempos lentos, cada cual con su matiz
  · Alegro, alegretto, vivo... : tempos rápidos

Cuando escuchamos a cantantes profesionales, nos da la sensación de que son personas tremendamente privilegiadas por tener voces únicas en el mundo. Parece que siempre hayan cantado así... nada más lejos. Cualquier persona, con la dedicación suficiente, puede llegar a adquirir un control semejante de la voz.

Nuestra voz es como un instrumento musical más. Obviamente, si nunca en tu vida has tocado un violín, la primera vez que intentes arrancarle el sonido a uno parecerá que intentas sacar el sonido a un gato furioso. El problema que tiene la voz es que estamos acostumbrados a usarla contínuamente para hablar y para gritar; para aprender a utilizar nuesro instrumento, debemos empezar desde el principio y "olvidarnos" de que este instrumento es el mismo que usamos al hablar.

Antes de nada, es conveniente que conozcamos nuestro instrumento y las partes de las que se compone. Aquí podemos verlo en un dibujo:

Bien, esto es de lo que disponemos para emitir sonidos. En realidad, el mecanismo fonador es muy sencillo; basicamente y en la práctica es algo así como una gaita. Tenemos una bolsa de aire que, al ser apretada, consigue que un tubo con membranas (Cuerdas vocales) emita sonidos. Eso es todo.

1: La inspiración

Este es uno de los elementos que hay que tener más presente a la hora de cantar, y uno de los que más cuesta educar. El motivo es que estamos acostumbrados a usarlo mal contínuamente y desde hace mucho tiempo. Estamos plagados de vicios respiratorios que hay que eliminar para poder empezar a respirar bien. ¿Cómo debemos respirar? : Pues, para empezar, debemos pensar en una respiración profunda hacia abajo, es decir, imaginar que el aire llega a la parte del abdómen, no a la parte superior del tórax. Es lo que comunmente se denomina "respirar con la barriga" (aunque, obviamente, los intestinos carecen de capacidad respiratoria). Para conseguirlo debemos tener en cuenta que: · Debemos vaciar primero de aire residual los pulmones (espirar todo el aire)

· El aire deberá entrar libremente, sin ser empujado

· No debemos subir los hombros al inspirar

A bastante gente le cuesta dar este primer paso, pero con una guía adecuada se aprende fácilmente. Es bueno fijarse en el modo en que respiramos cuando estamos relajados en la cama: en este momento el aire fluye tranquilamente y podemos observar (tumbados boca arriba) cómo la barriga (no el tórax) sube y baja reposadamente.

2: El control del aire

Ahora que ya tenemos cargados los pulmones con el aire, debemos aprender a sacarle partido. Para ello debemos usar el diafragma que es un músculo largo que presiona a los pulmones desde su base. Para apreciar cómo se activa, fijémonos en los mecanismos automáticos e inconscientes (siempre son los mejores, porque no están viciados) como el reír o el toser. Cuando tosemos notamos como la zona que está por encima del ombligo se endurece, de hecho si tosemos o reímos mucho esa zona acaba doliéndonos. ¡Pues si duele es por la falta de práctica! Por eso en el canto debe realizarse una especie de "gimnasia respiratoria" que active esos músculos olvidados y nos permita un mayor control del aire.

Así pues, para cantar, debemos tener el diafragma "activado". Con este músculo en tensión podremos reaccionar ante los matices de una partitura y dar la presión necesaria al aire para que tenga mayor volumen y alcance. Podemos imaginar nuestra gaita y su bolsa de aire: podemos apretarla a golpes y sacar sonidos entrecortados o presionarla de forma intensa y progresiva para obtener un sonido más potente.
Todo lo que se refiere al control de emisión de aire en el canto es una de las partes más complejas, sin embargo, es la que más diferencia a una persona que sabe cantar de un neófito.
Importante: un buen control del aire impedirá que nos dañemos la garganta al cantar y reducirá considerablemte la probabilidad de quedarnos afónicos (tanto al cantar como en la vida diaria).

3: Laringe, cuerdas vocales, lengua...

Ahora viene la parte de aprender el modo en que debemos dejar salir el sonido. Para empezar, hay que tener siempre en cuenta la relajación ya que, igual que respirando, toda la técnica del canto debe ser relajada y sin tensiones (de otro modo, podríamos dañar nuestro instrumento)

La mandíbula inferior (la superior no se puede mover) debe dejarse suelta, de modo que deje espacio en la zona posterior de nuestra boca, y la lengua debe quedar abajo sin obstruir el paso del aire. Debemos crear un tubo libre de obstáculos por el que pasará el sonido.

Las distintas vocales se articulan en la glotis (las cuerdas vocales) con ayuda de la lengua en el caso de la "i". Por eso no hay que hacer cosas raras con la boca al cambiar de una vocal a otra. La apertura de la boca para cantar debe hacerse de forma vertical con un dibujo más o ménos constante para todas y cada una de las vocales. De este modo permitimos que el sonido sea más homogéneo, que haya más relajación y que quede "estéticamente bonito" (muchas veces, lo que es bonito resulta también mejor a nivel práctico)

4: Los resonadores

Para que el sonido no sólamente salga de nosotros sino que alcanze a todo el público debemos aprender a usar los resonadores de que disponemos. Los resonadores (como su nombre indica) son partes de nuestro cuerpo que hacen la mísma función que la caja de una guitarra o el cuerpo de un piano: dar amplitud al sonido. Básicamente son tres:

· La máscara facial (nariz y aledaños): Este es el resonador que da belleza y timbre al sonido, y en el que nos apoyamos para dar los agudos. Para comprobar que se utiliza podemos emitir sonido con la boca cerrada (una "m") y comprobar cómo nuestros labios y el puente de la nariz vibran (si se hace correctamente, el picor en los labios es considerable). 

· La cabeza: Sí, también es un resonador. Su utilidad es de refuerzo del sonido y de amplificación. No es algo que se pueda controlar conscientemente, simplemente está ahí; sin embargo, si nos puede servir concentrarnos en elevar el sonido a la zona de la cabeza de forma imaginaria como imagen mental que nos ayude a usar mejor el resonador facial.

Respiración, relajación del cuerpo, especialmente garganta y mandíbula. Y emisión consciente y controlada apoyada en los resonadores. Parece fácil ¿no? Bien, pues como se dice en la tele: "no intenten hacer esto en su casa" y no es ninguna tontería, puesto que una mala aplicación de la teoría puede ser perjudicial y hacer que nos fastidiemos la voz.

Es importante tener en cuenta que estos pequeños consejos son una brevísima introducción a la teoría del canto (que debería llenar un libro entero, de hecho, hay algunos escritos sobre el tema). Nuestra intención aquí no es que se aprenda a cantar al leer esto, sólo queremos que te entre el gusanillo del canto y que veas que es todo un mundo para explorar.

Por último, algunos libros en español para conocer  la técnica del canto:

Joan F. Ferrer Serra "Teoría, anatomía y práctica del canto". Herder Editorial. Libro dirigido a profesionales. Explica muy prolijamente los entresijos técnicos y anatómicos. Imprescindible para cantantes que deseen poseer conocimientos sólidos del mecanismo del canto, en lugar de sensaciones subjetivas. Todo ello considerado como el rudimento sobre el que construir la expresión, y buscando siempre la naturalidad y la relajación, como el mismo autor dice. Para el principiante, una excesiva atención a todos los mecanismos que intervienen (musculares, respiratorios, posicionales...) puede producir un canto forzado y rígido, que es todo lo contrario a lo que se pretende.

Graham Hewitt "Cómo cantar", Editorial Edaf. Un libro de divulgación general, dirigido a no profesionales que, a pesar de su simplicidad resulta muy correcto en su planteamiento, Adecuado para iniciarse en algunos de los conceptos del canto.

Lidia García "¡Cantar!", Editorial Nuestras voces. Enfocado desde un punto de vista más intuitivo que técnico. Son muy buenos los ejercicios de relajación del cuello, los labios, la mandíbula, la lengua y el velo del paladar. Sin embargo, respecto a la respiración utiliza un método algo peculiar y confuso.